À l’occasion d’importantes acquisitions récentes emblématiques du collectif Supports/Surfaces, le musée revient plus amplement sur ce courant artistique en présentant l’ensemble de ses œuvres.

Prenez la mesure de l’étendue de notre collection publique, particulièrement riche, diversifiée et représentative de ce mouvement d’avant-garde et apprenez comment dès les années 60, leurs pionniers, d’Arnal à Viallat en passant par Grand et Pagès, exercent une influence brève mais décisive sur le paysage artistique en France et au-delà. En s’opposant radicalement, sur le plan idéologique et esthétique, aux courants majeurs de leur temps, en prônant le rejet des supports traditionnels et en déconstruisant les codes de la peinture, les membres du collectif vont explorer de nouvelles formes et de nouveaux gestes. Ainsi s’attachent-ils à la matérialité même du médium, sondant les qualités propres à la toile pour aboutir à des œuvres insolites et d’une grande inventivité. Venez découvrir les figures qui dans l’Hexagone ont préfiguré l’art contemporain avec audace!

Le metteur en scène Ivo van Hove (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, 22·23), grand régulier des Théâtres de la Ville, revient au Grand Théâtre avec une double pièce adaptée des deux films d’Ingmar Bergman Après la répétition / Persona.

Créé en néerlandais en 2012 et montré à cette occasion aux Théâtres de la Ville, Après la répétition / Persona retrouve une nouvelle vie en langue française avec des interprètes emblématiques comme Emmanuelle Bercot et Charles Berling (vu dans la recréation française de Vu du pont, 16·17), dont la physicalité permettra d’incarner les personnages pleins de riches contradictions du cinéaste suédois Ingmar Bergman.

Après la répétition est l’histoire d’un metteur en scène vivant en huis clos dans une salle de répétition, pour qui le théâtre est tout. Persona, à l’inverse, met en scène une actrice qui a perdu pied dans la vie, ayant trop sacrifié au théâtre. L’un a abandonné la vie à la faveur du théâtre, l’autre abandonne l’art par nostalgie de la vie. Des personnages complexes et aux multiples facettes.

Avec ce diptyque déployant à la fois un théâtre des mots et des émotions, puis un théâtre pictural, performatif, à la scénographie époustouflante, Ivo van Hove signe une œuvre à l’affût de questions intemporelles qui traversent l’expérience humaine dans toutes ses nuances. Un hommage puissant adressé à l’héritage de Bergman.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

Le metteur en scène Ivo van Hove (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, 22·23), grand régulier des Théâtres de la Ville, revient au Grand Théâtre avec une double pièce adaptée des deux films d’Ingmar Bergman Après la répétition / Persona.

Créé en néerlandais en 2012 et montré à cette occasion aux Théâtres de la Ville, Après la répétition / Persona retrouve une nouvelle vie en langue française avec des interprètes emblématiques comme Emmanuelle Bercot et Charles Berling (vu dans la recréation française de Vu du pont, 16·17), dont la physicalité permettra d’incarner les personnages pleins de riches contradictions du cinéaste suédois Ingmar Bergman.

Après la répétition est l’histoire d’un metteur en scène vivant en huis clos dans une salle de répétition, pour qui le théâtre est tout. Persona, à l’inverse, met en scène une actrice qui a perdu pied dans la vie, ayant trop sacrifié au théâtre. L’un a abandonné la vie à la faveur du théâtre, l’autre abandonne l’art par nostalgie de la vie. Des personnages complexes et aux multiples facettes.

Avec ce diptyque déployant à la fois un théâtre des mots et des émotions, puis un théâtre pictural, performatif, à la scénographie époustouflante, Ivo van Hove signe une œuvre à l’affût de questions intemporelles qui traversent l’expérience humaine dans toutes ses nuances. Un hommage puissant adressé à l’héritage de Bergman.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

Toutes championnes, tous champions !

À l’occasion d’importantes acquisitions récentes emblématiques du collectif Supports/Surfaces, le musée revient plus amplement sur ce courant artistique en présentant l’ensemble de ses œuvres.

Prenez la mesure de l’étendue de notre collection publique, particulièrement riche, diversifiée et représentative de ce mouvement d’avant-garde et apprenez comment dès les années 60, leurs pionniers, d’Arnal à Viallat en passant par Grand et Pagès, exercent une influence brève mais décisive sur le paysage artistique en France et au-delà. En s’opposant radicalement, sur le plan idéologique et esthétique, aux courants majeurs de leur temps, en prônant le rejet des supports traditionnels et en déconstruisant les codes de la peinture, les membres du collectif vont explorer de nouvelles formes et de nouveaux gestes. Ainsi s’attachent-ils à la matérialité même du médium, sondant les qualités propres à la toile pour aboutir à des œuvres insolites et d’une grande inventivité. Venez découvrir les figures qui dans l’Hexagone ont préfiguré l’art contemporain avec audace!

Pour clôturer sa saison culturelle, l’Institut français du Luxembourg en partenariat avec l’Association Victor Hugo et le soutien de Vauban, Ecole et Lycée Français de Luxembourg ont le plaisir de vous présenter la pièce de théâtre familiale « Les amoureux de Molière » par Les Mauvais Elèves, un spectacle pop et déjanté !

« Les Mauvais Elèves proposent une galerie de personnages hauts en couleur et déjantés qui servent une dizaine de scènes incontournables et drôlissimes de Molière. Un Harpagon plus avare que jamais, un Dom-Juan zélé et loquace, une amoureuse transie et convaincue, un valet de mauvaise foi… »

Le quatuor s’adonne avec bonheur à la chanson et à la danse. Des folies musicales accompagnent les scènes et font échos aux situations des personnages.

À l’occasion d’importantes acquisitions récentes emblématiques du collectif Supports/Surfaces, le musée revient plus amplement sur ce courant artistique en présentant l’ensemble de ses œuvres.

Prenez la mesure de l’étendue de notre collection publique, particulièrement riche, diversifiée et représentative de ce mouvement d’avant-garde et apprenez comment dès les années 60, leurs pionniers, d’Arnal à Viallat en passant par Grand et Pagès, exercent une influence brève mais décisive sur le paysage artistique en France et au-delà. En s’opposant radicalement, sur le plan idéologique et esthétique, aux courants majeurs de leur temps, en prônant le rejet des supports traditionnels et en déconstruisant les codes de la peinture, les membres du collectif vont explorer de nouvelles formes et de nouveaux gestes. Ainsi s’attachent-ils à la matérialité même du médium, sondant les qualités propres à la toile pour aboutir à des œuvres insolites et d’une grande inventivité. Venez découvrir les figures qui dans l’Hexagone ont préfiguré l’art contemporain avec audace!

À l’occasion d’importantes acquisitions récentes emblématiques du collectif Supports/Surfaces, le musée revient plus amplement sur ce courant artistique en présentant l’ensemble de ses œuvres.

Prenez la mesure de l’étendue de notre collection publique, particulièrement riche, diversifiée et représentative de ce mouvement d’avant-garde et apprenez comment dès les années 60, leurs pionniers, d’Arnal à Viallat en passant par Grand et Pagès, exercent une influence brève mais décisive sur le paysage artistique en France et au-delà. En s’opposant radicalement, sur le plan idéologique et esthétique, aux courants majeurs de leur temps, en prônant le rejet des supports traditionnels et en déconstruisant les codes de la peinture, les membres du collectif vont explorer de nouvelles formes et de nouveaux gestes. Ainsi s’attachent-ils à la matérialité même du médium, sondant les qualités propres à la toile pour aboutir à des œuvres insolites et d’une grande inventivité. Venez découvrir les figures qui dans l’Hexagone ont préfiguré l’art contemporain avec audace!

Après le succès international de son adaptation des Palmiers sauvages, Séverine Chavrier retrouve les mots de William Faulkner, avec une nouvelle création, adaptée d’un de ses romans les plus magistraux, Absalon, Absalon !.

Publié en 1936, Absalon, Absalon ! raconte l’histoire de trois familles du Sud des États-Unis avant, pendant et après la guerre de Sécession, et est plus particulièrement centré sur l’existence du personnage de Thomas Sutpen. Ce dernier arrive dans le comté imaginaire de Yoknapatawpha (Mississippi) et y établit une grande plantation, avec l’espoir d’y créer sa dynastie. Très vite, son idéal tourne à l’échec. Les relations, empreintes de mépris entre les Noirs et les Blancs, l’alcoolisme, les abus sexuels, se complexifient et vont jusqu’à l’inceste. Sa fille tombe amoureuse de Charles Bon, qui s’avère être son demi-frère caché, ce qui déclenche la rage de Henry, leur autre frère. Cette haine fratricide achève alors la longue et inexorable chute de l’empire de Thomas Sutpen.

Inspiré d’un épisode biblique, ce texte qui se déploie en une multitude de récits morcelés, raconte le dessein vain d’un homme assoiffé de reconnaissance sociale. Séverine Chavrier, accompagnée de ses collaborateurs et collaboratrices régulier.e.s, Louise Sari à la scénographie, le vidéaste Quentin Vigier et le musicien éclectique et virtuose Armel Malonga, crée ici une véritable tragédie américaine.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

Après le succès international de son adaptation des Palmiers sauvages, Séverine Chavrier retrouve les mots de William Faulkner, avec une nouvelle création, adaptée d’un de ses romans les plus magistraux, Absalon, Absalon !.

Publié en 1936, Absalon, Absalon ! raconte l’histoire de trois familles du Sud des États-Unis avant, pendant et après la guerre de Sécession, et est plus particulièrement centré sur l’existence du personnage de Thomas Sutpen. Ce dernier arrive dans le comté imaginaire de Yoknapatawpha (Mississippi) et y établit une grande plantation, avec l’espoir d’y créer sa dynastie. Très vite, son idéal tourne à l’échec. Les relations, empreintes de mépris entre les Noirs et les Blancs, l’alcoolisme, les abus sexuels, se complexifient et vont jusqu’à l’inceste. Sa fille tombe amoureuse de Charles Bon, qui s’avère être son demi-frère caché, ce qui déclenche la rage de Henry, leur autre frère. Cette haine fratricide achève alors la longue et inexorable chute de l’empire de Thomas Sutpen.

Inspiré d’un épisode biblique, ce texte qui se déploie en une multitude de récits morcelés, raconte le dessein vain d’un homme assoiffé de reconnaissance sociale. Séverine Chavrier, accompagnée de ses collaborateurs et collaboratrices régulier.e.s, Louise Sari à la scénographie, le vidéaste Quentin Vigier et le musicien éclectique et virtuose Armel Malonga, crée ici une véritable tragédie américaine.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

Caroline Guiela Nguyen, à qui l’on doit l’épique FRATERNITÉ, Conte fantastique (22·23) et qui a récemment pris la direction du Théâtre national de Strasbourg (TNS), présentera sa nouvelle pièce, LACRIMA, créée au Festival d’Avignon 2024.

Cette nouvelle fiction commence avec les fiançailles de la Princesse d’Angleterre qui passe commande pour sa robe de mariage à une prestigieuse maison de haute couture française située à Paris. Pas à pas, le spectacle va suivre les mains qui fabriqueront cet ouvrage. Durant huit mois, le public suit le processus de création d’une robe qui rentrera dans l’Histoire. Un processus qui, commande royale et haute couture obligent, est maintenu sous de strictes clauses de confidentialité. On passe d’une maison de haute couture parisienne à un atelier de broderie à Mumbaï, jusqu’à l’atelier de dentelle à Alençon. Trois univers liés par le travail, le savoir-faire et le secret. Trois ateliers où la violence va faire surface entre les fils de lin et de coton. Où des femmes et des hommes ont le corps cassé par le travail et par des histoires héritées et sous scellés.

Dans un grand récit choral qui met en avant le savoir-faire des artisanes et artisans, l’autrice et metteuse en scène Caroline Guiela Nguyen raconte ces ouvrières et ouvriers de l’ombre, ces couturières, modélistes, brodeurs au savoir-faire exceptionnel, au moment où leur vie va basculer.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

Caroline Guiela Nguyen, à qui l’on doit l’épique FRATERNITÉ, Conte fantastique (22·23) et qui a récemment pris la direction du Théâtre national de Strasbourg (TNS), présentera sa nouvelle pièce, LACRIMA, créée au Festival d’Avignon 2024.

Cette nouvelle fiction commence avec les fiançailles de la Princesse d’Angleterre qui passe commande pour sa robe de mariage à une prestigieuse maison de haute couture française située à Paris. Pas à pas, le spectacle va suivre les mains qui fabriqueront cet ouvrage. Durant huit mois, le public suit le processus de création d’une robe qui rentrera dans l’Histoire. Un processus qui, commande royale et haute couture obligent, est maintenu sous de strictes clauses de confidentialité. On passe d’une maison de haute couture parisienne à un atelier de broderie à Mumbaï, jusqu’à l’atelier de dentelle à Alençon. Trois univers liés par le travail, le savoir-faire et le secret. Trois ateliers où la violence va faire surface entre les fils de lin et de coton. Où des femmes et des hommes ont le corps cassé par le travail et par des histoires héritées et sous scellés.

Dans un grand récit choral qui met en avant le savoir-faire des artisanes et artisans, l’autrice et metteuse en scène Caroline Guiela Nguyen raconte ces ouvrières et ouvriers de l’ombre, ces couturières, modélistes, brodeurs au savoir-faire exceptionnel, au moment où leur vie va basculer.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

La joyeuse bande des Chiens de Navarre autour de Jean-Christophe Meurisse et d’Amélie Philippe, enfants terribles du théâtre français, baptisée la compagnie la plus folle de France, vient aux Théâtres de la Ville avec son spectacle à succès entre la farce et la tragi-comédie délurée : La vie est une fête.

Nous voici aux urgences psychiatriques, l’un des rares endroits à recevoir quiconque à toute heure sans exception d’âge, de sexe, de nationalité, avec pour trame de fond la porosité des êtres aux violences, aux incohérences politiques et sociales, aux transformations brutales de notre civilisation. Un véritable sas d’humanité. Pouvons-nous tous devenir fous ? Qu’est-ce qui nous empêche de passer à l’acte ? La vie est une fête est une dissection non sans humour féroce de la fragilité des êtres humains, qui souffrent à cause de l’état déplorable du monde. Et d’ailleurs, la folie ne serait-elle pas l’ultime chemin pour réinventer l’amour, pour réinventer la vie, pour réinventer la beauté ? Rien n’est plus humain que la folie, en somme.

À travers des situations universellement évocatrices, mettant en œuvre la technique désormais éprouvée d’une écriture guidée par des improvisations au plateau, les Chiens de Navarre tirent une fois de plus moult questions sérieuses vers la dimension burlesque tapie dans nos existences. Une thérapie collective basée sur le rire face à un état du monde anxiogène.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

La joyeuse bande des Chiens de Navarre autour de Jean-Christophe Meurisse et d’Amélie Philippe, enfants terribles du théâtre français, baptisée la compagnie la plus folle de France, vient aux Théâtres de la Ville avec son spectacle à succès entre la farce et la tragi-comédie délurée : La vie est une fête.

Nous voici aux urgences psychiatriques, l’un des rares endroits à recevoir quiconque à toute heure sans exception d’âge, de sexe, de nationalité, avec pour trame de fond la porosité des êtres aux violences, aux incohérences politiques et sociales, aux transformations brutales de notre civilisation. Un véritable sas d’humanité. Pouvons-nous tous devenir fous ? Qu’est-ce qui nous empêche de passer à l’acte ? La vie est une fête est une dissection non sans humour féroce de la fragilité des êtres humains, qui souffrent à cause de l’état déplorable du monde. Et d’ailleurs, la folie ne serait-elle pas l’ultime chemin pour réinventer l’amour, pour réinventer la vie, pour réinventer la beauté ? Rien n’est plus humain que la folie, en somme.

À travers des situations universellement évocatrices, mettant en œuvre la technique désormais éprouvée d’une écriture guidée par des improvisations au plateau, les Chiens de Navarre tirent une fois de plus moult questions sérieuses vers la dimension burlesque tapie dans nos existences. Une thérapie collective basée sur le rire face à un état du monde anxiogène.

Introduction par Ian De Toffoli ½ heure avant chaque représentation (FR).

Après Omma (20·21), le danseur et chorégraphe Josef Nadj poursuit l’aventure en créant Full Moon avec sept danseurs originaires d’Afrique déjà présents dans son spectacle précédent. En convoquant la figure de la marionnette et la force significative du masque, présent dans les cultures africaines, il incite les interprètes à puiser dans leurs mémoires enfouies, afin de se confronter aux rythmes et énergies de la terre, de la nature et des traditions ancestrales. La pièce se plonge également dans les racines du jazz afro-américain, rendant hommage à travers la danse à des artistes comme Charles Mingus, Cecil Taylor, Anthony Braxton et l’Art Ensemble of Chicago. Un spectacle poétique et passionné qui révèle la composante dansée du jazz.

Après Omma (20·21), le danseur et chorégraphe Josef Nadj poursuit l’aventure en créant Full Moon avec sept danseurs originaires d’Afrique déjà présents dans son spectacle précédent. En convoquant la figure de la marionnette et la force significative du masque, présent dans les cultures africaines, il incite les interprètes à puiser dans leurs mémoires enfouies, afin de se confronter aux rythmes et énergies de la terre, de la nature et des traditions ancestrales. La pièce se plonge également dans les racines du jazz afro-américain, rendant hommage à travers la danse à des artistes comme Charles Mingus, Cecil Taylor, Anthony Braxton et l’Art Ensemble of Chicago. Un spectacle poétique et passionné qui révèle la composante dansée du jazz.

INTRODUCTION À LA PIÈCE PAR STÉPHANE GILBART À 19:45 (EN FRANÇAIS).
BORD DE SCÈNE À L’ISSUE DU SPECTACLE.

Sur tes traces est le portrait croisé de deux artistes, l’un né en Iran, l’autre au Québec. Entre carnet de voyage et enquête intime, le spectacle ouvre grand les portes de leurs manoirs intérieurs et présente un récit à cheval sur trois continents.

Deux étrangers au bout du monde, si différents… Dany Boudreault est né dans un milieu rural aux bords du lac Saint-Jean au Québec ; Gurshad Shaheman a grandi en République islamique d’Iran, où il a passé les douze premières années de sa vie. À partir d’une liste de lieux et de personnes
– famille, premières amours, ami·e·s, ennemi·e·s – qui ont marqué leurs ébats et combats de jeunesse, Boudreault et Shaheman se donnent pour mission de remonter à contre-courant le fleuve de la vie de l’autre afin d’en dresser un portrait inédit.

Muni de casques audio, le public navigue librement entre les archives personnelles dont on lui offre les clés, pouvant choisir à tout moment de suivre l’histoire de l’un ou de l’autre. Ainsi, par-delà les océans, récits intimes et politiques s’entrelacent pour trouver écho en chacun·e de nous.

Les Théâtres de la Ville continuent leur collaboration avec le chorégraphe Serge Aimé Coulibaly et présentent cette saison les trois pièces lauréates de son concours biannuel Africa Simply the Best, qui récompense les meilleures créations africaines en danse chorégraphique solo. Le public luxembourgeois a ainsi l’occasion de voir la pièce poignante La Quatrième, du danseur et chorégraphe togolais Koffi-Kegou Afiadegnigban, un solo intime qui explore la question de la polygamie, une réalité profonde dans de nombreuses sociétés africaines. Le deuxième lauréat est Aziz Zoundi, avec sa pièce Chute perpétuelle, un solo introspectif sur le deuil. La pièce Banbali 100 fin de l’artiste malienne Kadidja Tiemanta, thématisant la résilience face à la maladie, clôture cette soirée placée sous le signe de la créativité, de l’innovation et de l’originalité de la culture panafricaine.

Les Théâtres de la Ville continuent leur collaboration avec le chorégraphe Serge Aimé Coulibaly et présentent cette saison les trois pièces lauréates de son concours biannuel Africa Simply the Best, qui récompense les meilleures créations africaines en danse chorégraphique solo. Le public luxembourgeois a ainsi l’occasion de voir la pièce poignante La Quatrième, du danseur et chorégraphe togolais Koffi-Kegou Afiadegnigban, un solo intime qui explore la question de la polygamie, une réalité profonde dans de nombreuses sociétés africaines. Le deuxième lauréat est Aziz Zoundi, avec sa pièce Chute perpétuelle, un solo introspectif sur le deuil. La pièce Banbali 100 fin de l’artiste malienne Kadidja Tiemanta, thématisant la résilience face à la maladie, clôture cette soirée placée sous le signe de la créativité, de l’innovation et de l’originalité de la culture panafricaine.

Un stand-up triste sur la lutte des classes, dont les mots nous attrapent par le bout du cœur.

Jag, issue de la classe populaire rurale blanche, se confie à Laurène Marx. Elle évoque la maison de son enfance, ses oncles et tantes, les anniversaires à la salle des fêtes, les mariages, le cocon familial dysfonctionnel, la culture télévisuelle et l’alcoolisme. Coincée entre deux mondes, telle une errante, Jag nous entraîne dans les méandres d’un retour au bercail.

La rencontre entre la langue de Laurène Marx et le phrasé de Jag donne naissance à un spectacle franc et percutant, chargé d’expériences et d’anecdotes qui font passer, plus d’une fois, du rire aux larmes. Naviguant entre folie, précarité et violence, Jag nous livre un précieux témoignage de l’expérience de transfuge social. Mais au cœur de son histoire, il y a aussi son chien, Johnny, dont la complicité lui permet d’échapper au classisme structurant notre société et conditionnant l’amour entre les individu·e·s.